Mudanza: Plano Cerrado
Este blog se traslada. Ahora sí, con mayor regularidad. Dejen esta toma general y cierren el plano.
Allí los espero.
Ranking: Los mejores estrenos del 2010
Una lista de las mejores películas del 2010. O, mejor dicho, de las mejores películas que se estrenaron en el Perú en el 2010, con todas las limitaciones que eso implica.
10. Los abrazos rotos – Pedro Almodóvar
El español luce intenso, dramático, muy metido en sí mismo. No es lo mejor de su carrera, pero le basta para entrar a esta lista.
9. Red Social – David Fincher
Aunque sigo pensando que esta película viene un poco sobrevalorada, no dejó de perturbarme con su mirada fría a un mundo más (¿o menos?) superficial de lo que parece.
8. Toy Story 3 – Lee Unkrich
La primera versión de la saga que puedo ver con ojos de adulto es, también, la que más hace que me sienta como un niño. Nostalgia pura. Y hay consenso en eso.
7. El imaginario mundo del Dr. Parnassus – Terry Gilliam
Si ya hablamos de películas sobrevaloradas, toca el turno de las injustamente ignoradas. Gilliam hace una gran obra después de muchos años apelando al mundo que mejor domina: la fantasía más desbordada.
6. Enemigo interno – Werner Herzog
Imposible compararla con la anterior versión -la de Ferrara-, a pesar de que sí alcanza los mismos nivels de maestría y perversión, a su manera, claro. Un Herzog distinto, también, pero en gran forma.
5. Zona de miedo – Kathryn Bigelow
Una película algo olvidada, me parece, porque pertenece más al 2009 que al año que acabamos de dejar atrás. Igual sigo pensando en sus estremecedoras escenas de guerra, que van minando todo un país y a un individuo que representa a miles de realidades.
4. El Origen – Christopher Nolan
De lo más esperado del año, sin duda. Y aunque a muchos no colmó, creo que Inception resultó infalible en el suspenso, el vértigo, el entretenimiento. Como mencioné en alguna otra parte, estos sueños se resuelven más con armas que con psicoanálisis. Y lo festejo.
3. La cinta blanca – Michael Haneke
Habría que retar a Haneke a que haga una película mala. El austriaco-alemán deja su habitual mirada contemporánea para rebobinar hasta los años previos a la Primera Guerra Mundial. Y aún así, en blanco y negro, sin televisión ni internet, remece los traumas más internos del hombre.
2. Criatura de la noche – Tomas Alfredson
Suecia no es la tierra de ensueño que los índices de nivel de vida nos quieren demostrar. O al menos así lo retrata esta cinta que no asusta por una invasión de vampiros. Aquí los villanos son niños que toman leche y adultos alcohólicos. Y en medio de esa marginalidad, uno de los más emotivos amores de pubertad del cine de los últimos años.
1. Los Amantes – James Gray
La película comienza con un intento de suicidio. Más que una tragedia, esto indica una sucesión de reacciones inestables, de ilusiones y desgarros, de alegrías, emociones y decepciones. A la usanza del Hollywood más clásico, esta disputa de amores no solo se ciñe a dos amantes sino también al vínculo familiar, a los tormentos mentales, incluso a la incertidumbre de la vida laboral, profesional o como guste uno llamarla. James Gray envuelve todo esto en un aura que cambia entre los climas gélidos y cálidos de forma tan constante como sus personajes (en especial el de Phoenix) desvarían por los caminos más sinuosos de sus existencias.
“Scott Pilgrim vs. The World”, de Edgar Wright
Me sorprendió escuchar algunos comentarios negativos de Scott Pilgrim vs The World, la esperada nueva película de Edgar Wright (Shaun of the Dead, Hot Fuzz) basada en un popular cómic. Digo que me sorprendió porque venía siendo muy comentada desde hace meses, frustró a muchos la cancelación de su estreno en Lima y, además, porque cuenta con todos los elementos necesarios para ser una película que guste a propios y extraños.
Algunos comentarios bastante adjetivados la acusan de pretenciosa, predecible, impostada. Y bueno, creo que ahí está su gracia. Recoger los efectos exagerados del cómic, apelar a la composición musical de 8 bits o recurrir a la parafernalia cromática de los juegos de video son la base para ir construyendo personajes tan definidos como, aparentemente, arquetípicos.
Pero eso es lo que, a mí parecer, claro, Wright intenta. Son los personajes los que arman la película, no la trama sencilla, plana, lineal. Es la riqueza de sus rasgos psicológicos (profundos o superficiales) la que ayuda a esbozar las situaciones más cotidianas que pueda uno imaginar (la clásica aparición de los ex novios, la irreverencia de un amigo gay, el amor no correspondido).
El director pone nuevamente en práctica su talento innegable para equilibrar -sin temblores ni resbalones- la pirotecnia visual y los altibajos interpersonales de la gran cantidad de figuras que componen la historia. Por eso, repito, la historia se sostiene en ellos, en las peculiares caracterizaciones de cada uno de los secundarios que componen el elenco.
Aquí me detengo un momento en las actuaciones: Cera está muy bien en lo que hace siempre (para verle algo distinto, vean La chica de mis sueños), Schwartzman es un villano de estilo insoportablemente genial, y el ex novio vegetariano (no recuerdo por ahora su nombre) es quizá el más divertido de los personajes.
Volviendo a la historia, vale aclarar que las comparaciones con la fuente original (el cómic de Bryan Lee O’Malley) están de más. Cada obra es independiente y la película termina siendo notable por sí misma. Incluso el guión del filme se burla de estas confrontaciones (“el primer disco es mejor que el segundo”, “el cómic es mejor que la película”).
Y, ciertamente, esta mirada adolescente tiene, como dijo el crítico argentino Diego Battle, algún punto en común con la obra de John Hughes y un perfecto dominio de los elementos de la sociedad contemporánea, además de los atributos increíblemente vitales y creativos que destaca Andrea Gronvall del Chicago Reader (nada menos).
Scott Pilgrim es frenetismo, risa, diversión, color. Una explosión que sirve de contraparte perfecta a algo como, por mencionar un ejemplo, La cinta blanca (otra de 9 o 10 puntos). Y un ejemplo de que esto también es cine. Un cine que entretiene y que lleva su calidad a otro nivel.
Una respuesta a la Ley Procine
Y ocurrió lo que no queríamos que ocurra. La nefasta ley Procine, ley Raffo-León o ley de la vergüenza, fue aprobada.
Las consecuencias serán varias. Pero me quedo con esta reflexión de Paco Bardales. La mejor respuesta es seguir grabando, a pesar de todas las trabas que se presenten en el camino.
Y, justo hoy, me topo con esta entrevista al director argentino Raúl Perrone. Un maestro. Sus últimas películas las viene haciendo con una cámara de fotos. Creo que es uno de los mejores referentes que un joven pueda observar hoy por hoy. A escucharlo con atención.
Carlos Raffo y su peligroso proyecto para una nueva ley de cine
Escribo este post rapidito sobre el debate de una nueva ley de cine en el Perú. Son dos proyectos -el del congresista Werner Cabrera y el del congresista Carlos Raffo- que se discuten en el Parlamento. El proyecto de Raffo (llamado Procine), aparentemente, busca ser aprobado “al caballazo”, con una serie de artimañas típicas del partido al que pertenece ese congresista.
El tema es muy grave, porque esa ley podría dejar sin piso a la cinematografía nacional (que vislumbra por ahora una mejora sustancial). ¿Por qué? Pues la ley favorece claramente a las empresas distribuidoras y exhibidoras trasnacionales. Para el Perú, unos cuantos mendrugos. En los últimos días han sucedido una serie de hechos interesantes:
- Algunos aseguran que hoy llegaría el tema al Pleno del Congreso, sin haber sido aprobado en la Comisión de Educación. Hay que estar atentos.
- Los jóvenes realizadores Héctor Gálvez, Daniel Vega y Diego Vega, han hecho público un comunicado retirando su apoyo a la ley Procine de Raffo, en un gran ejemplo de principios, valentía y dignidad. Desde esta pequeña trinchera saludo la decisión.
- Los realizadores de provincia ya se manifestaron con un rechazo tajante a la ley Procine. Vean este video de los cineastas del Cusco, y este otro desde Cajamarca. Ellos también tienen voz.
- Finalmente, un video bastante ilustrativo del 2009: el veterano director, y últimamente muy venido a menos, Francisco Lombardi, despreciando a la ley Raffo ya su representante. El problema es que, hoy, un año después, Lombardi apoya a capa y espada el susodicho proyecto. ¿Qué pasó? ¿Cambio de ideas? ¿Intereses de por medio? Saquen sus propias conclusiones.
+ Si quieren informarse a fondo sobre el tema de la ley de cine, revisen este extenso reportaje que preparé hace unos meses.
+ Toda la información de este post (y mucho más) pueden encontrarla en el siempre actualizado foro CinemaPerú.
“Octubre”, mejor película peruana del 2010, según la revista Godard!
La película de los hermanos Daniel y Diego Vega, Octubre, ha sido nombrada como la mejor cinta peruana del año por la revista especializada Godard!. La ópera prima de los Vega suma así un reconocimiento más a su destacado palmarés, que comenzó con el premio del jurado de la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, el más prestigioso del mundo.
La ceremonia de premiación de la película será este viernes 10, a las 7:30 de la noche en el Centro Cultural Cafae. Al mismo tiempo se proyectará la cinta y se presentará la edición 26 de la revista Godard! que trae un recuento de los mejores estrenos del 2010, un repaso a la filmografía del fallecido Arthur Penn, un especial sobre las películas sobre John Lennon, entre otros interesantes artículos.
Viernes 10 de diciembre, 7:30 pm
Presentación de la revista Godard! 26
Proyección de la película “Octubre”
Premio a mejor película peruana del año
Centro Cultural Cafae
Av. Arequipa 2985, San Isidro
Ingreso libre. Capacidad limitada.
Foto: TV Cultura
Paul Thomas Anderson interesado en adaptar a Thomas Pynchon
A estas alturas casi todas las webs y blogs han rebotado esta noticia, pero ahí vamos: el brillante director Paul Thomas Anderson tiene en mente adaptar al cine la obra del enigmático Thomas Pynchon, “Inherent Vice”.
Y es que el creador de There Will Be Blood, Punch-Drunk Love y Boogie Nights pospuso “indefinidamente” el proyecto conocido como The Master (donde participarían Philip Seymour Hoffman, Jeremy Renner, entre otros), con lo que parece estar abierto a nuevas ideas.
Pero, bueno, si Anderson quería despertar curiosidad y rumores lo ha hecho y vaya que bien. Escoger una obra de Pynchon no debe ser cosa fácil, sobre todo por el aura misteriosa que lo rodea y la riqueza innovativa de su narrativa.
Además, habría mostrado su interés por tener a Robert Downey Jr. como protagonista. Nada menos.
Los 50 mejores documentales de la historia, según Time Out
La revista Time Out New York ha elaborado una lista con los 50 mejores documentales de la historia. Está repleta de títulos muy interesantes, así que copio la lista completa, y en orden descendente, a favor del suspenso.
50. Fahrenheit 9/11 (2004) – Michael Moore
49. The Last Waltz (1978) – Martin Scorsese
48. An Inconvenient Truth (2006) – Al Gore
47. When We Were Kings (1996) – Leon Gast
46. A Grin Without A Cat (1977) – Chris Marker
45. Profit Motive And The Whispering Wind (2007) – John Gianvito
44. F For Fake (1973) – Orson Welles
43. The Battle Of Chile (1975–79) – Patricio Guzmán
42. Monterey Pop (1968) – D.A Pennebaker
41. Man On Wire (2008) – James Marsh
40. The Fog Of War (2003) – Errol Morris
39. Point Of Order (1964) – Emile de Antonio
38. Burden Of Dreams (1982) – Les Blank
37. Koyaanisqatsi (1982) – Godfrey Reggio
36. Sherman’s March (1986) – Ross McElwee
35. The Up Series (1964–2005) – Michael Apted
34. The Sorrow And The Pity (1969) – Marcel Ophüls
33. Metallica: Some Kind Of Monster (2004) – Joe Berlinger y Bruce Sinofsky
32. Woodstock (1970) – Michael Wadleigh
31. Grey Gardens (1975) – Albert y David Maysles
30. Capturing The Friedmans (2003) – Andrew Jarecki
29. The Gleaners & I (2000) – Agnès Varda
28. Arrival Of A Train At La Ciotat (1896) – Hermanos Lumière
27. Bowling For Columbine (2002) – Michael Moore
26. In The Year Of The Pig (1968) – Emile de Antonio
25. Empire (1964) – Andy Warhol
24. High School (1968) – Frederick Wiseman
23. Our Hitler: A Film From Germany (1977) – Hans-Jürgen Syberberg
22. Hoop Dreams (1994) – Steve James
21. Gimme Shelter (1970) – Albert y David Maysles
20. Lake Of Fire (2006) – Tony Kaye
19. The Times Of Harvey Milk (1984) – Rob Epstein
18. Hearts Of Darkness: A Filmmaker’s Apocalypse (1991) – George Hickenlooper
17. Stop Making Sense (1984) – Jonathan Demme
16. Titicut Follies (1967) – Frederick Wiseman
15. Crumb (1994) – Terry Zwigoff
14. Hearts And Minds (1974) – Peter Davis
13. Triumph Of The Will (1935) – Leni Riefenstahl
12. Grizzly Man (2005) – Werner Herzog
11. Salesman (1968) – Albert y David Maysles, Charlotte Zwerin
10. Man With A Movie Camera (1929) – Dziga Vertov
9. Roger & Me (1989) – Michael Moore
8. Nanook Of The North (1922) – Robert Flaherty
7. The War Game (1965) – Peter Watkins
6. Don’t Look Back (1967) – D.A. Pennebaker
5. Harlan County U.S.A. (1976) – Barbara Kopple
4. Night And Fog (1955) – Alain Resnais
3. The Thin Blue Line (1988) – Errol Morris
2. Sans Soleil (1983) – Chris Marker
1. Shoah (1985) – Claude Lanzmann
+ Aquí el artículo original, con una breve reseña por cada documental.
Enlaces de cine: El Óscar 2011, Ingmar Bergman, los Coen y más
Algunos links de interés:
+ En Otros Cines, Diego Lerer lanza sus pronósticos para el Óscar 2011. Cinco títulos -al parecer- cantados, y otros cinco por descubrir.
+ Hablando de favoritos de la Academia, recién me topé con el avance de True Grit de los Coen. No entiendo cómo se me pasó, pero me ha dejado una gran impresión. Ojalá.
+ La Filmoteca de Lima ha vuelto. Aún no voy, pero por ahí escuché que está simpática. Hasta el 19 de diciembre hay una retrospectiva del fundamental Ingmar Bergman.
+ Otro fundamental es John Lennon, que el 8 de diciembre cumple 30 años fallecido. La revista Godard! y el Centro Cultural de España ponen un ciclo de películas ligadas al ex Beatle.
+ Llega a mis manos el libro “Confesiones fílmicas” de José Tsang y Pablo Ruiz. Como dice el subtítulo, son doce lecciones de directores sobre cómo se hace cine en el Perú. Muy interesante. Cuesta 25 soles.
+ Nada que ver con cine, pero quería recomendarlo: Atlas Sound (o Bradford Cox) ya publicó cuatro volúmenes de su serie de demos “Bedroom Databank”. Y en solo cuatro días. Prolífico y genial.
Top 5: Dennis Hopper
Sí, este blog solo agrupa posts cortos, pero quería dejar por acá este artículo sobre Dennis Hopper que escribí para la revista Godard! en octubre, una especie de homenaje por el fallecimiento del gran cineasta, actor, pintor y fotógrafo. Estas son, pues, las mejores películas en su faceta de cineasta. Un campo donde se desenvolvió con solvencia, aunque no sea, precisamente, su talento más conocido.
Dennis Hopper, eterno motero
Cuando en marzo de este año anunciaron que Dennis Hopper recibiría su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, nadie pensó que el prolífico artista asistiría. La razón: un avanzado cáncer de próstata que se había expandido hasta sus huesos. Pero ahí estuvo, en silla de ruedas, con la frente parchada, y haciendo el máximo esfuerzo para cargar los 45 kilos de peso de su propio cuerpo. ¿Qué provocó que este hombre luchara de esa manera para recibir el reconocimiento de una industria a la que muchas veces dio la espalda? Entereza, dirán unos. Valentía, otros. Aunque quizá lo más adecuado sería decir desafío. El mismo atributo que mantuvo desde sus primeros años como actor, cuando trabajó junto a James Dean en Rebelde sin causa y Gigante, dos títulos que, hoy, quizá encajen mejor con Hopper. La actitud desafiante que lo llevó a encumbrarse como cineasta independiente con Easy Rider, para luego estrellarse contra el sistema con The Last Movie, más que un fracaso accidental, un ataque suicida a lo establecido. O sus paseos entre el arte, las drogas y el alcohol, todas ellas prácticas experimentales y fieles a lo largo de su vida, que lo hicieron un tipo constante por un lado y volátil por otro. De allí que pudiera trabajar con Francis Ford Coppola o David Lynch, y a la vez fuera temido por algunos que encontraban en él a una criatura indomable. “¿A que le temen?”, es una pregunta suelta en una de sus películas, con una respuesta que ahora se comprende más que nunca. El miedo no era a Hopper. El miedo surgía de lo que él representaba: la libertad plena, a nivel creativo, personal, moral, y en tanto otro ámbito pudiésemos mencionar. Libertad que contuvo e irradió hasta los últimos días de su vida. Tres meses después de su aparición en el Paseo de la Fama -donde regaló sonrisas valientes y agónicas-, Hopper moría en casa. Su estampa no.
1. Out Of The Blue (1980)
La secuencia inicial en esta película es chocante y perfecta porque nos advierte de que no hay mucho espacio para la felicidad. Y es así. Dennis Hopper hace su película más oscura escabulléndose sin rubores en el mundo del white trash. O sea, la marginalidad de la población blanca de los Estados Unidos. La protagonista -interpretada por Linda Manz- es una adolescente incontrolable, agresiva, incorrecta. Una fanática de Elvis Presley que arrastra a una madre drogadicta y a su padre recluido en prisión. Después de diecisiete años de esta descollante actuación, la actriz aparecería en Gummo de Harmony Korine, otra agria auscultación de la miseria americana. Coincidencia o no, lo cierto es que cada uno de los personajes en Out Of The Blue son los que van moldeando el escenario de depresión con sus interpretaciones. Hopper, por ejemplo, en el papel del padre, está literalmente inmerso en un basural desde donde busca una redención que se complica por la situación que lo rodea y, al mismo tiempo, por su propia voluntad. Pero el destino de este hombre no es más que una representación de lo que le ocurre a todo el conjunto de personajes, que deambulan con poco sentido de orientación en escenas filmadas de forma muy cuidadosa, calculadamente accidentadas hasta el punto de despojarse de su prolijidad. Como en ese seguimiento por los tugurios de un concierto punk, una de las pocas válvulas de escape en una película que parece arrancarle por completo las esperanzas a sus personajes. Una canción de Neil Young, que figura prominentemente en la cinta, reza que “es mejor quemarse que desvanecerse”. Bajo esa premisa, Out Of The Blue funciona como fósforo blanco.
2. Easy Rider (1969)
La película que significó el debut del director es también su más célebre y la que más culto ha cosechado en el círculo del cine independiente americano. Y no es para menos. Surgida en los años del hippismo, el conflicto en Vietnam y los años álgidos de la Guerra Fría, Easy Rider es un manifiesto de libertad para algunas de las minorías aplacadas por el conservadurismo. Esto, claro, por su temática. Pero es además atrevida en su propuesta fílmica, en el montaje y la edición que combinan lo amateur y lo detallista. “Es pura vida”, dice uno de los personajes en la primera escena donde dos tipos esnifan cocaína. Y sí, puede tildársela de impropia, pero es definitivamente vital en su acercamiento a estos personajes sin más preocupaciones que hacer valer sus ideas con actitud. Y Hopper no lo demostró subiéndose a una motocicleta y recorriendo los Estados Unidos. Más bien, se dispuso a hacer una película sobre eso y la hizo de la mejor manera y con la mayor autenticidad que pudo. Con todos las limitaciones y controversias, lo logró. Eso es pura vida.
3. The Last Movie (1971)
Esta es una película que mezcla mucho el naturalismo, el documental, la música. Es definitivamente un ensayo o un experimento ambicioso y arriegado desde el momento en que Hopper decidió trasladarse al Perú para continuar la estela auspiciosa obtenida con Easy Rider. Pero la industria es infiel y esta obra continúa, incluso ahora, siendo una obra maldita y cuyo éxito se ciñe al culto de unos pocos. Debe haber pesado en su fracaso -además de su audacia e irreverencia extremas en el planteamiento narrativo y cinematográfico- el hecho de mezclar su mirada costumbrista y tradicional con el concepto de una invasión extranjera que trastoca las costumbres de una población rural absorta ante lo nuevo. El filme tiene ingredientes profanos, violentos, racistas, sexistas, fetichistas, y otros rasgos que -vistos con prejuicio- acentúan su carácter prohibido. Lamentablemente, este cruce de Yawar Fiesta moderno con ayahuasca fílmico opaca lo más notable de su propuesta: la explosión creativa y los riesgos vanguardistas que no cualquiera se atreve a tomar y a culminar con entereza.
4. The Hot Spot (1990)
Tiempo después de haber interpretado a Frank Booth (el desquiciado villano de Terciopelo azul), Hopper dirige su propio thriller con elementos eróticos y psicológicos. La película de David Lynch y The Hot Spot comparten algunos puntos, pero esta última prescinde de los aspectos más oscuros y surrealistas para insertarnos en una realidad en la que la culpa y las mentiras cumplen roles gravitantes. Aún así, es hermética en la presentación de sus protagonistas. De alguna u otra forma, todos aparecen allí, como abandonados en el poblado donde se desarrollan las acciones y cruzándose entre ellos por la ausencia de alguien más que intervenga. No hay ni se muestra mucho -por no decir nada- ni antes ni después en sus vidas. El juego de chantajes y extorsiones es el que marca el paso argumental, que es hábil, discreto, y se hace interesante gracias al misterio que generan no conocer antecedentes en el perfil de los personajes. Intencional o no, la fórmula funciona
5. Colors (1988)
Aunque la obviedad es un defecto odioso, hay que decir que esta cinta basa su filosofía en el uso de los colores. Están las bandas de delincuentes de Los Ángeles -los rojos y los azules-, que se matan entre sí y a la vez son perseguidas por la Policía. Pero también están los policías, en este caso los interpretados por Robert Duvall y Sean Penn, que conforman una dupla que patrulla la ciudad para poner orden. Hasta ahí nada nuevo, pero hay alguna escena en que el personaje de Duvall (en una actuación espectacular, por cierto) dice que cada uno de ellos piensa de manera de distinta (“yo digo verde, tú dices rojo”), lo que genera la dicotomía y la confrontación sustancial de la película. Ciertamente, no hay un desarrollo de pares tan contrapuesto como en una película de Michael Mann, ni una relación maestro-alumno tan desarrollada como la conseguiría Kim Ki-Duk; pero sí encontramos un relato fuerte y frontal sobre lo caótica que puede ser la urbanidad infectada con violencia, y la inevitable rotación de poderes en una sociedad en la que el respeto se gana con armas.
